【明報專訊】從林夕的「如煙／因給你遞過火」、「三千春江水／暫住寂寞天空／逛夠了世界／撇進了春風」，到My Little Airport由九龍公園游泳池講到「我原是世間其中的粒子／如何沖擊我都可以」的自我宣言，廣東歌似乎不乏詩意的描寫，但如要自本地經典詩人的文字出發，將詩作化為一闋歌，又會如何？而聲音樂曲與文字之間是否真有着不可踰越的界限？
由石磬文化主辦的「花樹留聲：詩性歌詞創作計劃」，8位年輕香港詩人與音樂人分為4組，創作歌曲回應4位香港已故詩人的作品，亦於11月30日選址香港兆基創意書院舉行成果音樂會。但對於池荒懸、雷暐樂兩位策劃人而言，本次跨界最重要的或許是回到過程之中，注視創作者如何突破各自創作邊界，回應前人。
合力作曲寫詞 作品風格實驗多變
計劃於年初正式開展，策劃人池荒懸與雷暐樂以致敬4位經典詩人為出發點，先由池荒懸尋找4位風格各異的年輕詩人回應經典詩人，再由雷暐樂邀請不同風格的音樂人合作。在分組舉行由池荒懸主持細讀前輩詩人文本的工作坊後，才進入歌曲創作的環節。但有別於「習以為常」地由音樂人為文學作品譜曲，雷暐樂指這次不再只是文學人站在大本營邀請外界進入，而是讓詩人也進入音樂的世界，要求詩人和音樂人共同創作旋律與文字。花與樹、詩與樂，雙雙走出既有創作領域，碰撞出新火花——蔡炎培詩作「麻甩」卻情深，李文靜、周華欣以《彌撒之後》詮釋其約18歲時與心上人道別的少年情事；而陳李才與Peace Lo則在《破碎少年與黑色的獸》以混沌游離的詞體現馬覺詩於黑暗求光的意象。另有枯毫與陳嘉以Afrobeat和念白的《逢魔時》回應戴天詩作；而梁秉鈞以柔和的筆觸與停頓、空白書寫城市地景的風格，在呂永佳與H Lau手上則化為了民歌般溫和而帶頓挫感的《後時代》，砌出在城市漫步的圖像，4首作品皆以實驗多變的風格回應前人。
對池荒懸而言，這次跨界不止關乎藝術形式，更是要打破原有創作或合作模式。而「前文本」——4位經典詩人詩作的加入，則在音樂人往創作加入文學元素，以及詩人初嘗填詞的藝術實踐以外，提供了共同回應的對象，促進雙方在創作過程中的溝通。4位詩人雖已離去，卻亦以另一種方式參與創作，形成「前輩詩人——年輕詩人——音樂人」的三角關係。新一代讀者或對戴天、馬覺兩位詩人感到陌生，池荒懸卻認為4位對香港文學史的影響都不容忽視，從文學推廣而言更是「愈少人認識就愈需要講」。
打破原合作模式 塑跨時空三角關係
「跨界也許是偽命題，真正的界限在於人，而不是藝術形式。」池荒懸認為真正的界限不在音樂與文字藝術形式的差異，而在於創作者自身。這次刻意找來唱作人合作，正因其在創作過程中未必會將聲音與文字分開，而跨界的價值在於將陌生的文學元素帶入其創作之中。
而對未嘗填詞的詩人來說，接觸不曾踏足的文體也是突破自身的界限——「創作者跨緊自己嘅界」。故池荒懸指「詩性歌詞」並非強調詩、詞分家，而更似是讓大家留意到詩人嘗試填詞的噱頭。而新詩與歌詞，或只是寫作習慣不同，「寫作傳統上新詩晦澀間接，歌詞則較直白，但是否就不能以間接的筆法寫歌詞？」雷暐樂指，平日自身寫歌詞時已須考慮如何配合旋律，同時兼顧文字的追求。而當詩人重新思考內在於文字卻常遭忽視的聲音元素，音樂人又嘗試以本地詩作融入創作，便會誕生走近各自世界的契機。
如枯毫、陳嘉二人先閱畢戴天詩集《骨的呻吟》，後自陳嘉從詩作所感受到的「壓抑」出發，將意象重複、密集出現的質感延伸至「勞動」的概念，以充滿律動動感的Afrobeat呈現，並糅合「河流」、「蛇」等意象為詞。音樂會當日枯毫便朗讀戴天長達1500行的詩作〈蛇〉中的第三部分「肉體」——「所以，我的笑／變成了／拙劣的石膏像／我的形體／變成了／囚禁虛無的／牢獄／我是一個難以解決／又不得不／解決／又不能解決／又要解決的／解決」、「啊，父親和母親／我是蛇的一部份／我的一部份／是蛇／我是蛇」，如鄭政恆在〈沉吟鋪辭 莫先於骨——戴天詩集《骨的呻吟》略評〉所指般以大量矛盾語法的句子表現現代人複雜的心理面貌，「就如銜尾蛇（Ouroboros）般，面對絕路與出路」。而二人創作的《逢魔時》便以金屬敲打之聲開場，而後響起枯毫、陳嘉反覆、頹唐的念白「做嘢 返工 飲酒 鬼／但係 紋身 痛囉」回應勞動的基調，猶像以兩者重現戴天詩中意象不停復歸的質感。而相對較「俗」的念白，陳嘉演唱的副歌則以「風施捨了夕陽／烽煙甦醒了萬象／人為何無傷／光天化日下似蛇倘佯」等蒙太奇式的歌詞，從更宏觀的視角回應戴天對時間、社會與勞動的思考。其後則轉入枯毫「命定於八字犧牲蒼生不成詩／戴天望盆踏盡輕舟問世時」的獨白，以低迴的聲線把戴天召入破碎的節奏，在歌曲尾聲副歌與曲首的念白一同出現時，形成相互共鳴的無限迴環。
就此，出席音樂會的詩人陳子謙接受電話訪問時亦表示，自己過往也參與過詩與音樂跨界的計劃，但這次「逼詩人走出詩人」的身分據旋律填詞，使文字和旋律的關係更為緊密，避免了以往「先詩後曲」時要為遷就旋律而延長字音的情况。他也提到多被視為有「詩意」的歌詞，如My Little Airport作品，實際上以較散文化的手法聚焦瑣碎的生活細節或特定場景；但本次的成品因詩人將平時的寫作手勢融入其中，多出一種在不同意象與場景之間穿梭的跳躍感。而跨界經驗，或可令參與的詩人往後寫作進一步考慮聲調高低等文字的音樂性。
策劃人：盼未來毋須強調「跨界」
但比之只着眼「詩與音樂」跨界的產物，池荒懸更希望將目光投向創作的上游，以培養創作者為未來帶來更多色彩。他提到自身在參與「南音研究計劃」後，往後的寫作也潛移默化地變得更寬廣，故他笑言這次被迫走出舒適圈的創作者「好彩」，而不論是辦《聲韻詩刊》提供發表園地、籌辦詩會，還是策劃這次跨界實驗，對他而言皆是「播種的工作」。
成果音樂會對池荒懸而言，亦因而成為了另一個起點——將過程經驗匯聚成文上載於社交媒體、將簡單影片放上《讀音》網站、由創作者正式推出單曲，讓這些種子能夠落在更遙遠的土壤之上。雷暐樂亦期望，這些實驗後能讓本身看似被鴻溝所隔的事物慢慢拉近，乃至未來不再需要以「跨界」為噱頭。
說到最後，原來「花樹留聲」只是池荒懸為宣傳需要而與「流星」食字的產物，不過以「聲音」連結，卻讓人聯想到已故詩人留下的文字仍可激發新的聲音。雷暐樂則用池荒懸以西草之名發布的詩集《連花開的聲音都沒有》回應——花樹本無聲，與「留聲」放在一起使人想到孕育與撒種，暗示儘管此刻未被聽見也好，但永遠都有聲音存留下去。
有便利店不再設雜誌架、文學類資助申請不易，前路似乎未明。但一如音樂會以回應蔡炎培詩作〈彌撒〉的鐘聲開始，再步進馬覺深沉破碎、戴天迂迴如蛇的意境，最終卻還是能走到自梁秉鈞〈半途〉延伸出來的「後時代」。「我們依舊張大眼睛觀看／前面偶然昇起一群新的蜻蜓」，撒下的種子尚待發芽，或許某天我們也可以聽到花開的聲音與樹的回音——數年前蔡炎培在兆基創意書院與年輕人讀詩的餘音，至今仍在迴盪着。
